Licht. Etwas erscheint: ein Bild, eine Formation, Bewegung, Entwicklung, Verwandlung. Dunkel. Und Licht. Etwas Neues: Es ist massiv, es dreht sich, es vibriert, es umfasst alles. Dunkel. Und Licht. Überraschung. Und dunkel. Und Licht. Und dunkel.

„Join“ unternimmt einen einfachen Versuch, der doch einige Schwierigkeiten birgt: Wie können Tänzer*innen an völlig unterschiedlichen Punkten ihrer Entwicklung zusammenkommen? Wie kann ein Ensemble von Profis auf höchstem Niveau mit einer Gruppe Studierender gemeinsam tanzen? Wie finden Menschen in ihrer Verschiedenheit zusammen? Welche Verbindungen sind möglich, die nicht durch eine vereinheitlichende und vereinnahmende Norm gestiftet werden? „Join“ geht für den Tanz einen Schritt in diese Richtung. Studierende aus der jeweiligen Stadt, in der die Aufführung stattfindet, tanzen gemeinsam mit dem Ensemble der Dresden Frankfurt Dance Company. Die Dramaturgie des Abends wird von instant blackouts bestimmt, die den Szenen eine besondere Direktheit verleihen und die Wahrnehmung des Publikums fortwährend herausfordern.

„Join“ wird im Programm „Fonds Zero“ der Kulturstiftung des Bundes gefördert. Dies soll Kultureinrichtungen darin unterstützen, klimafreundlichere Produktionsformen und neue Ästhetiken mit geringstmöglicher Klimawirkung zu erproben. Im Laufe des Prozesses werden die CO2- Emissionen erfasst. Einsparpotential, das sich dabei zeigt, soll unsere Arbeitsweise auch in Zukunft ökologisch nachhaltiger machen.

„Join“ unternimmt einen einfachen und doch schwierigen Versuch: Wie können Tänzer*innen an völlig unterschiedlichen Punkten ihrer Entwicklung zusammenkommen?

Ioannis

Choreografie

Tänzer*innen der Dresden Frankfurt Dance Company

Tanzstudierende der jeweiligen Stadt

Tanz

Pauline

Choreografische Assistenz 

Philipp

Dramaturgie

Bühne und Licht

Thomas

Kostüme

Smaralia

Probenleitung

Nastia

Probenleitung mit den Tanz-Studierenden

Join

Théâtre de la Ville

Wie kommt man einer Person wirklich nahe? Indem man eine intime Geschichte erzählt bekommt? Indem man sich tief in die Augen schaut? Indem man gemeinsam etwas Besonderes, vielleicht Herausforderndes erlebt?

Das Verhältnis zwischen Privatem und Öffentlichem hat sich radikal gewandelt. Viele teilen heute ohne Scheu Details, die früher als privat gegolten hätten. Zugleich fühlen sich immer mehr Menschen einsam. Die Weise, wie man sich und das eigene Leben versteht, ist kaum davon zu trennen, wie man sich anderen Menschen präsentiert. Woher kommt der Drang, Intimes in der Öffentlichkeit zu teilen? Und wie sähen Verbindungen aus, die diese Sehnsucht stillen könnten?

In dieser Arbeit offenbaren sich die Tänzer*innen persönlich – mit ihren Geschichten, Erinnerungen, Wünschen. Körpersprache und Tanz erreichen dabei vielleicht eine direktere Verbindung, als es mit Worten möglich ist.

Neues Werk

Bockenheimer Depot

Ein Stuhl, ein*e Tänzer*in – das ist der Ausgangspunkt für „One One One“. Wer Platz nimmt, wird zum Fokus für den Tanz: Die Tänzer*innen nehmen Impulse der Sitzenden auf und nutzen diese als Inspiration für ihre Improvisation. Es wird dann so lange für die jeweils sitzende Person getanzt, wie beide Seiten den Blickkontakt halten. Ein stummer Dialog entsteht, eine exklusive Begegnung und eine Möglichkeit, Tanz mit neuen Augen zu entdecken.

„One One One“ ist ein besonderes Zusammentreffen und auch für die Beobachter*innen der Szene in seinen emotionalen und tänzerischen Nuancen und Entdeckungen vielfältig. 2015 entwickelt, kann „One One One“ überall stattfinden und wurde weltweit schon auf Straßen und Plätzen, in Krankenhäusern, Schulen und Einkaufszentren aufgeführt.

Konzept

One One One

Hellerau - Europäisches Zentrum der Künste

Mit der Neukreation von William Forsythe schließt sich ein Kreis. Der Choreograf gilt zu Recht als einer der wichtigsten des ausgehenden 20. Jahrhunderts. Sein innovativer Umgang mit der Tradition des Balletts hat dem Tanz Richtungen eröffnet, die zuvor schwer vorstellbar schienen. Von 1984 bis 2004 leitete Forsythe das Ballett Frankfurt und von 2005 bis 2015 The Forsythe Company. Später wurde diese in Dresden Frankfurt Dance Company umbenannt. Ioannis Mandafounis, der gegenwärtige Künstlerische Leiter der Company, war einige Jahre Tänzer bei Forsythe und ist entsprechend deutlich von ihm beeinflusst.

Live-Choreografie, die Improvisationsmethodik, mit der die Company heute arbeitet, knüpft an viele Prinzipien an, die Forsythe entwickelt hat, und treibt das Paradigma der Improvisation noch einen Schritt weiter. Nun trifft diese radikalisierte Bewegungspraxis auf die künstlerische Handschrift und Sensibilität, von der sie einst ausging. Was wird aus dieser besonderen Verbindung entstehen?

William Forsythe ist seit über 50 Jahren als Choreograf tätig. Seine Werke sind dafür bekannt, dass sie die Praxis des Balletts aus der Identifikation mit dem klassischen Repertoire gelöst und zu einer dynamischen Kunstform des 21. Jahrhunderts transformiert haben. Er tanzte mit dem Joffrey Ballet und später mit dem Stuttgarter Ballett, dessen Hauschoreograf er 1976 wurde. 1984 begann seine 20-jährige Tätigkeit als Direktor des Ballett Frankfurt. Im Anschluss formierte Forsythe ein neues Ensemble, The Forsythe Company, das er von 2005 bis 2015 leitete. Forsythes tiefgreifendes Interesse an organisatorischen Grundprinzipien der Choreographie hat ihn dazu geführt, ein breites Spektrum von Projekten in den Bereichen Installation, Film und webbasierter Wissensentwicklung zu realisieren. Während seine Bühnenarbeiten einen zentralen Platz im Repertoire der Ballettensembles weltweit einnehmen, sind seine Installationen international sowohl in Museen als auch in Sammlungen vertreten. Forsythe erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Goldenen Löwen der Biennale von Venedig und den Theaterpreis DER FAUST, beide für sein Lebenswerk.

William

Für Thomas Hauert ist Improvisation nicht in erster Linie ein Mittel, um sich auszudrücken, sondern eines, um Bewegungen hervorzubringen und zu komponieren. Kann man den Körper von den Grenzen des Denkens befreien? Wenn man ihn lässt, findet er komplexere und spannendere Bewegungen, als man sich ausdenken kann.

Hauert hat Ende der 90er Jahre die Compagnie ZOO gegründet, mit der er seitdem in relativ gleichbleibender Konstellation das Spannungsverhältnis zwischen tänzerischer Freiheit und Eingrenzung erforscht. Wenn Tänzer*innen in einer Gruppe gemeinsam improvisieren, müssen sie einen neuen Umgang mit Kontrolle finden. Dabei kann Improvisation sehr zielgerichtet sein, sie kann einer Gruppe einen gemeinsamen Fokus geben, um den herum sie ihre Praxis entfaltet. Aufgaben, Regeln und Beschränkungen können die Konditionierung des Körpers so stören, dass etwas Unerwartetes entsteht. Freiheit und Widerstand, Individuum und Gruppe, Ordnung und Unordnung, Formlosigkeit und Form.

Thomas Hauert gründete 1998 seine Compagnie ZOO in Brüssel. „Cows in Space“ war sein erstes Stück, das gleich bei den Rencontres de Seine-Saint-Denis/Bagnolet ausgezeichnet wurde. Seither entwickelte die Compagnie mehr als 21 Stücke. Neben seiner Arbeit für ZOO war Hauert Gastchoreograf u.a. für das Zürich Ballett, Toronto Dance Theatre, Candoco Dance Company, Ballet Junior de Genève und das Ballet de Lorraine. Angelehnt an seine choreografische Arbeit entwickelte Hauert eine international anerkannte Unterrichtsmethode, die auf seinen Bewegungsrecherchen mit ZOO basiert. Seit 2013 ist er der Künstlerische Leiter des Bachelorprogramms für Zeitgenössischen Tanz bei La Manufacture, der Hochschule für darstellende Kunst in Lausanne.

Forsythe / Hauert

Schauspiel Frankfurt

Live-Choreografie, die Methodik von Ioannis Mandafounis, ermöglicht es, auf der Bühne aus dem Moment heraus eine Choreografie zu kreieren. In „Lisa“ bedeutet das auch, dass die Tänzer*innen während einer Sequenz live entscheiden, wann sie die Bühne betreten und wieder verlassen. Innerhalb dieser einfachen Setzung sind sehr unterschiedliche Situationen möglich. Das unvermittelte Auftauchen und Verschwinden bewirkt überraschende Wechsel, aus dem Aufeinandertreffen von zwei Tänzer*innen wird plötzlich eine unübersichtliche Gruppenszene. Plötzlich wird jemand alleingelassen und wirft sich in ein emotionales Solo hinein.

Diese dramaturgischen Prinzipien kombiniert das Stück mit Gedichten des Lyrikers Ossip Mandelstam aus der Sowjetunion und mit Musik von Gabriel Fauré. Historische Kostüme aus den 1930er Jahren geben den Texten, die teils im russischen Original, teils auf Deutsch und Englisch zu hören sein werden, einen visuellen Rahmen. So erscheinen immer wieder kürzere oder längere Erzählfäden, denen das Publikum folgen kann, aber nicht muss. 

Ist das der Schauplatz eines Verbrechens? Oder geht alles seinen alltäglichen Gang? Soll man jetzt höflich grüßen oder sich schnellsten im Gestrüpp verstecken? Mit beiden Beinen auf dem Boden der Tatsachen zu bleiben, nutzt wenig, wenn die Realität ins Wanken gerät.

Dorothee

Gabriele 

Klavier

Lisa

Mandafounis / Forsythe

Theater Freiburg

Zwei Tänzer, die sich seltsam benehmen. Sie reden ununterbrochen und unverständlich. Woher kommt ihre Geschichte? Sie beschreiben eine imaginäre Welt, erst mit Sprache, dann mehr und mehr mit ihren Körpern. Sie tun ständig viele Dinge auf einmal und beziehen sich gleichzeitig immer wieder auf ihre Umgebung. Die Sprache wird zum Flüstern, zum Schreien, zum Singen, zum Rhythmus und zur Musik.

„Sch!“ wird getanzt von zwei Tänzer*innen des Regionteater Väst. Das ist Schwedens größte tourende Institution für darstellende Kunst für ein junges Publikum und gehört zu den größten Tanz- und Theaterproduzenten des Landes. Das Regionteater Väst schafft zugängliche und anspruchsvolle Aufführungen, die sich in erster Linie an Menschen zwischen 6 und 16 Jahren richten.

Tänzer*innen des Regionteater Väst

SCH!

Ruhrtriennale: Jahrhunderthalle Bochum

Ruhrtriennale: Museum Folkwang

Sch!

Begegnungen zwischen unterschiedlichen Menschen sind immer unvorhersehbar. Man beäugt sich, man stürmt voraus, man wartet ab, umkreist sich, verstolpert sich, hält plötzlich inne, fängt nochmal vorn an – und merkt vielleicht, ah, ja, wir können miteinander.

Die Szenen von „À la carte“ ermöglichen mit unterschiedlichen Requisiten, Toneffekten, Musik und Lichtstimmungen eine Vielfalt an Tanzstilen, Atmosphären und Themen. Anlass und Ausgangspunkt ist dabei immer die Begegnung zwischen Ensemble und Publikum, ganz so, als würde man gemeinsam ein abwechslungsreiches Menü kochen. Der Rahmen dafür ist die Tanz-Methodik von Ioannis Mandafounis, die es erlaubt, live auf der Bühne eine Choreografie zu kreieren. Fast nichts, das die Tänzer*innen in dieser Inszenierung tun, wurde zuvor festgelegt. Alle Bewegungen entstehen aus dem Aufeinandertreffen der verschiedenen Körper.

„À la carte“ war die erste Produktion der Dresden Frankfurt Dance Company unter der künstlerischen Leitung von Ioannis Mandafounis. Mit der Arbeit stellt das Ensemble seine Tanzpraxis vor, die ebenso auf dem Austausch zwischen den einzelnen Künstler*innen beruht wie auf der Kommunikation mit dem Publikum.

Manon

Musikalische Leitung

Anna

À la carte

Ruhrtriennale: PACT Zollverein

Scarbo ist ein Gnom, ein Kobold. Ioannis Mandafounis und Manon Parent haben sich diesen Titel von Maurice Ravel entliehen. So eröffnet Ravels Musik auch den Abend. Je länger Manon Parent tanzt, desto mehr wird das Publikum in ihre innerste Welt gezogen. Eine Welt, in der Trauer, Wut, Freude, Hilflosigkeit und Stärke existieren. Diese Gefühle bringt die Tänzerin unmittelbar in der Bewegung zum Ausdruck – ohne jeden Filter. Alle Zellen der Darstellerin scheinen in verschiedenen emotionalen Frequenzen zu vibrieren. Sich in all den unterschiedlichen Zuständen zu zeigen, ist eine Freiheit, die man sich selten nimmt. Dieses Teilen von Intimität ist der Kern von „Scarbo“. Dabei können sich die Zuschauer*innen durchaus fragen, ob es sich um reale oder fiktive Zustände handelt, um Erinnerungen an die Vergangenheit oder um eine persönliche Geschichte, die erzählt wird.

„Scarbo“ hinterfragt den Stellenwert der Narration im zeitgenössischen Tanz im Hinblick auf Funktion, Form und Bedeutung. Die Tänzerin selbst steht im Mittelpunkt dieser Erzählung, die vom Zusammenspiel ihres Körpers, ihrer Seele und ihrer Gefühle handelt.

Der rhythmische Dialog von Farben, Musik und Tanz – der frei, unabhängig und unvorhersehbar bleibt – schafft eine Atmosphäre, die das Publikum in eine Live-Version eines Kunstfilms versetzt.

Spielplan

One One One

One One One

À la carte

À la carte

One One One

One One One

Join

Join

Scarbo

Scarbo

Join

Join

One One One

One One One

Scarbo

Scarbo

Join

Join

Neues Werk

Neues Werk

Neues Werk

Neues Werk

SCH!

SCH!

Sch!

SCH!

Forsythe / Hauert

Neues Werk

Neues Werk

Forsythe / Hauert

Neues Werk

Neues Werk

Mandafounis / Forsythe

Neues Werk

Lisa